"Los Juegos del Hambre": El show de los oprimidos

La realidad es engañosa en su superficie, así como algunas películas lo son cuando hay una maquinaria publicitaria extremadamente fuerte detrás de ellas. Este es el caso de LOS JUEGOS DEL HAMBRE (THE HUNGER GAMES), aparentemente una película más basada en una de esas exitosas e insustanciales novelas para público adolescente que, al llegar a la pantalla grande, recibe todo tipo de pifias por parte de críticos y cinéfilos.

Afortunadamente, el filme de Gary Ross no es adaptación de un material hueco y tampoco una saeta con la única misión de romper los récords de taquilla. Es, más bien, una parábola futurista de sabor amargo que enfrenta a los enemigos eternos de la jerarquía social: el oprimido y el sistema opresor.

Así, LOS JUEGOS DEL HAMBRE se constituye como un macabro reality televisivo de visión obligada producido por la ciudad de Capitol, el poderoso centro del ficticio país de Panem. Pero este show no es sólo un mero entretenimiento, sino un recordatorio para los doce distritos que conforman la nación de que la rebelión contra su capital puede acarrearle nefastas consecuencias como la destrucción del otrora existente Distrito 13. De esta manera, los 12 distritos tendrán que ofrecer anualmente a dos jóvenes -hombre y mujer- como tributos para participar en los citados juegos, en los que sólo un saldrá con vida.

En este sentido, se describe en líneas generales el conflicto de LOS JUEGOS DEL HAMBRE, y poco a poco se introduce el personaje de Katniss Everdeen, una adolescente que se dedica a la caza para salvar a su familia del hambre y que termina ofreciéndose a sí misma como tributo para salvar de una muerte segura a su hermana menor Primrose.

Esta breve descripción y la pública declaración de amor por parte del otro tributo, serán el punto de partida para convertir a Katniss en una de las "favoritas" para ganar los juegos, y para poner en marcha una maquinaria mediática que alimentará el morbo creciente de una audiencia que disfruta con la tragedia, el sufrimiento y la muerte de cada uno de los participantes.

Un punto a destacar es la elección de la talentosa Jennifer Lawrence en el papel de la heroína Katniss, personaje que logra mantener en vilo a los espectadores en cada una de sus apariciones, perfectamente complementadas con un reparto de actores jóvenes (Josh Hutcherson, Willow Shields y Amandla Stenberg) y otros más experimentados (Stanley Tucci, Woody Harrelson), que otorgan los tonos sombríos de la vida dura en los distritos y lo chirriante del lujo y el exceso de la capital.

Con un diseño de producción exquisito y caprichoso y una horda de efectos visuales y de maquillaje muy logrados, LOS JUEGOS DEL HAMBRE es el estreno del circuito comercial más impactante en lo que va del 2012, pero también es una de las películas más metafóricas y profundas inspiradas en el mundo actual y la manipulación de los medios para ofrecer la pobreza como parte de un espectáculo maquiavélico cuyos engranajes están dispuestos a distraer a la masa de asuntos más relevantes, en este caso, la concepción de una rebelión contra el sistema y el punto final de su circo romano.

Mi calificación: 8.8 de 10

Críticas rápidas (Parte 3)

Y ahora llegamos a la parte final. Después de esto prometo comentar cada película en su debido momento y con los argumentos necesarios. :)

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE PARTE 2

(HARRY POTTER AND THE DEATHLY HALLOWS PART 2)

La saga del niño mago abandonó su lado light e infantil cuando el mexicano Alfonso Cuarón se hizo cargo de HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABÁN. En adelante, Mike Newell y David Yates asumirían el proyecto, siendo este último el elegido para plasmar los tres últimos libros en la pantalla grande, incluyendo las dos partes del episodio final. ¿Qué se puede decir de esta segunda parte? Una delicia visual que cierra decentemente una franquicia que se ha mantenido vigente toda una década. Con un reparto de lujo y un guion que se mete en el corazón de sus personajes, el resultado es positivo y retrata, de manera conmovedora y metafórica en algunos momentos, el paso de la adolescencia a la madurez. Se le va a extrañar.

Calificación: 8.4 de 10

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (R)EVOLUCION

(RISE OF THE PLANET OF THE APES)

Cuando se anunció una precuela para el clásico de ciencia-ficción EL PLANETA DE LOS SIMIOS, uno se imaginaba que correría el mismo destino que STAR WARS. Afortunadamente, Rupert Wyatt imprime al relato cierta verosimilitud para conectarla con su fuente original y hacer de EL PLANETA DE LOS SIMIOS (R)EVOLUCIÓN una cinta analítica tanto en las emociones del primate y su posterior asimilación y adaptación al sistema que rige a los humanos. Entretenida y bien lograda en sus efectos visuales, aunque claramente previsible si uno está familiarizado con la saga sesentera.

Calificación: 7.7 de 10

LOS PITUFOS

(THE SMURFS 3D)

Hay que ser retrasado, descerebrado o infinitamente tarado para alardear ante tus amigos que viste LOS PITUFOS y te pareció una película liiiiiiinda (sic) o, peor aún, publicar en el muro de Facebook frases tan impresionantemente imbéciles como "estoy pitufifeliz despúes de pitufear al pituficine para pitufiver a los pitufos en pitufi3D" (sic). Raja Gosnell ya había demostrado ser un exponente del cine basura desde su debut en la olvidable MI POBRE ANGELITO 3 y rayó en el mal gusto con las horripilantes SCOOBY-DOO y BEVERLY HILLS CHIHUAHUA. El atentado tridimensional que perpetra con los entrañables personajes azules es sólo un ejemplo más de que algunos dibujos animados no deben llevarse a la pantalla grande, sino que lo digan el Oso Yogui y su tristísima adaptación.

Calificación: 0.2 de 10

DESTINO FINAL 5

(FINAL DESTINATION 5)

O la mejor forma concebible para limpiar la imagen de esta saga de horror después de un desastroso e insufrible cuarto episodio. Steven Quale, uno de los protegidos de James Cameron, dota a DESTINO FINAL 5 del halo sombrío que reinó en la primera parte y le agrega elementos de suspenso que estuvieron ausentes en las secuelas anteriores. Aunque no logra despercudirse de la vena cómica, las secuencias en las que cada personaje encuentra su destino final confirman a la parca como la asesina en serie más sádica del cine. Mención aparte para la tragedia en el puente al inicio de la película que, en pocas palabras, es la catástrofe mejor rodada de toda la saga.

Calificación: 5.8 de 10

SUPER 8

En estos últimos años el cine de ciencia-ficción ha tenido un promisorio resurgimiento, que tiene a J.J. Abrams como uno de sus mayores exponentes detrás de James Cameron y Neill Blomkamp. En su tercera película, Abrams da un giro arriesgado pero efectivo: volver a la esencia del cine de extraterrestres de finales de los años setenta y ochenta y adaptar su estética a nuestros tiempos. Así, logra su cometido en forma de un tributo a Steven Spielberg con referencias a ENCUENTROS CERCANOS DEL TERCER TIPO, ET y LOS GOONIES y algunos guiños al cine serie B de George Romero. Más que un bocado de nostalgia, es un homenaje al director de películas que todo cinéfilo lleva dentro.

Calificación: 8.5 de 10

Críticas rápidas (Parte 2)

Continuamos con la tardía actualización.

RIO

Carlos Saldanha, una de las mentes creadoras de la exitosa saga LA ERA DE HIELO, se inspiró en el colorido de su natal Río de Janeiro para entregarnos una fábula que tiene como motivos al omnipresente amor y a la libertad alcanzada a través de la aceptación propia. A través de los ojos de una pareja de aves en peligro de extinción, Saldanha nos hace vivir una trepidante aventura que nos traslada desde la espesa selva brasilera hasta las cálidas playas y las caóticas favelas en donde los sonidos de la samba y el bossa nova son el anuncio del interminable carnaval.

Calificación: 7.2 de 10

QUIERO MATAR A MI JEFE

(HORRIBLE BOSSES)

Para los sufridos oficinistas del sector público, esta es la película más inspiradora del año. Bromas aparte, esta nueva incursión del actor Seth Gordon como director logra juntar a medias el lado entretenido de la comedia pura y el suspenso de una buena película de crimen. Aunque por ratos las situaciones desesperantes de sus personajes parecen un calco al carbón de ¿QUÉ PASÓ AYER? (cuya secuela estrenada a inicios del año es un completo desastre), QUIERO MATAR A MI JEFE igual se disfruta (sobre todo si eres fan de Jennifer Aniston).

Calificación: 6.2 de 10

EN UN MUNDO MEJOR

(HAEVNEN)

Aunque es improbable que esta película llegue algún día a la cartelera peruana -si lo hizo, no me di cuenta-, bien vale gastarse unos chibilines en conseguir una copia y convencerse de que la danesa Susanne Bier merecía llevarse el Óscar a mejor película en idioma extranjero este año. En el filme, se entrecruzan las historias de dos familias afectadas por un inminente divorcio y una muerte esperada, que agudizan los conflictos individuales de cada uno de sus integrantes. El aislamiento, el crimen y el verdadero sentido de la amistad serán las pruebas que deberán enfrentar sus personajes para llegar a la redención que sugiere el título.

Calificación: 8.2 de 10

HERMANO

¿Existe alguna película futbolera aceptable? Sí, y esa es HERMANO, una muestra de que lo hecho en Venezuela tiene interesantes ángulos que pueden tomarse como referencia del nuevo cine latinoamericano. El director Marcel Rasquin construye un sólido drama que pone a dos hermanos en la disyuntiva de seguir su sueño de convertirse en futbolistas y salir de la miseria, o vengar la inesperada muerte de su madre en una balacera. Con muy buen tino, Rasquin hace de su ópera prima un ejemplo de equilibrio entre una realidad descarnada y el anhelo de superación. No perder de vista.

Calificación: 7.6 de 10

BIUTIFUL

Después del éxito sucesivo de AMORES PERROS, 21 GRAMOS y BABEL, uno se esperaba que el mexicano Alejandro González Iñárritu alcanzara la cúspide de su auspiciosa carrera con BIUTIFUL. Lamentablemente, esto no sucede en la forzada secuencia de desgracias y miserias que envuelven a un enfermo terminal de cáncer y a su lucha por mantener unida a su familia por medios fuera de la ley. Aparte del entregado rol protagonista de Javier Bardem, el filme no tiene mucho por ofrecer. ¡Cómo se extraña la mano de Guillermo Arriaga en el guion!

Calificación: 5.7 de 10

Críticas rápidas (Parte 1)

Ha pasado más de un mes desde mi último post y les pido las disculpas del caso por las demoras, retrasos y escuetas -y a veces, insustanciales- actualizaciones en mi Facebook.

¿Que no existe justificación para haberlos abandonado? Obviamente no, aunque déjenme decirles que la falta de tiempo sumado a situaciones estresantes de mi trabajo en el "mundo real" fueron las causales de esta y otras dejadeces involuntarias.

En fin, no voy a ahondar en más explicaciones que, al fin y al cabo, no obedece al objetivo "actualizador" de este post. Así que empezaré a ponerme al día con las reseñas de esas películas que vi pero no tuve tiempo -¡grrrrr!- de criticar como se debe.

X-MEN PRIMERA GENERACIÓN

(X-MEN: FIRST CLASS)

El encargo de realizar una precuela de los mutantes más famosos de las historietas no le quedó grande a Matthew Vaughn, quien con X-MEN PRIMERA GENERACIÓN borró el amargo recuerdo de los dos filmes anteriores sobre estos personajes. El director, que logró una convincente adaptación del cómic KICK-ASS, supo enlazar las historias personales del profesor Charles Xavier, Erik Lehnsherr (posteriormente Magneto) y los mutantes aprendices con un conflictivo contexto histórico donde la intolerancia y la discriminación alimentan una eterna guerra y rompen lo que parecía una inquebrantable amistad. En pocas palabras, una metáfora de la actualidad con el look de los años sesenta. Apreciación extra: un reparto de lujo para una película que despertaba serias dudas.

Calificación: 8.4 de 10

EL CAPITÁN AMÉRICA

(CAPTAIN AMERICA: THE FIRST AVENGER)

Las películas de Joe Johnston tienen una característica en común a la que no escapa este simbólico superhéroe: una colosal campaña publicitaria. No toca discutir si este filme está pensado como una estrategia para atraer espectadores a la monumental película que se supone será THE AVENGERS, pero si nos centramos en su papel como producto de entretenimiento o en su calidad artística, EL CAPITÁN AMÉRICA no satisface ni lo uno ni lo otro. ¿Lo mejor? La supermáquina que transforma a su débil protagonista en Chris Evans. Los chicos del gym ya quieren el aparato en sus casas. ¿Quién dijo yo?

Calificación: 5.2 de 10

LINTERNA VERDE

(GREEN LANTERN)

No me había percatado de la existencia de este superhéroe hasta que vi un cartel de esta película. Pero si esta tenía como objetivo sacarlo del hundimiento de la impopularidad, debo decir que logró ahogarla en el olvido. Martin Campbell no logra darle solidez a su relato ni a su protagonista, un Ryan Reynolds que sucumbe ante la abundancia de efectos visuales. Para ponerse verde de la vergüenza.

Calificación: 4.1 de 10

CARS 2

De todo lo que Pixar le ha dado al mundo, CARS quizás fue la película más débil de su vasta producción. Por eso es que no encontré razón convincente para una secuela y, al verla, no hizo más que confirmar que la historia de estos automóviles con rasgos pretenciosamente humanos se había acabado en su primera parte. Ni los viajes a otros países ni el aire de espías e intriga internacional levantaron a las nuevas aventuras Rayo McQueen y su pandilla. Veremos si después de esta John Lasseter decide guardar a sus cochecitos para siempre en el garage.

Calificación: 3.3 de 10

KUNG FU PANDA 2

O lo que puede llamarse una secuela decente. La acción y la comedia que hicieron inolvidable a su primera parte se mantienen con un ingrediente extra: un drama oculto en los orígenes del despistado Po que, en uno de sus mejores momentos, se plasma en una secuencia de animación muy lograda y conmovedora. Jennifer Yuh ya tiene material para una tercera parte.

Calificación: 7.4 de 10

"Transformers 3": El lado hueco del metal

En más de veinte años de carrera, el único gran mérito de Michael Bay es haber aplicado la fórmula hollywoodense noventera para romper la taquilla: imágenes en movimiento -con una sobredosis de acción y una discreta inyección de humor- que pretenden alargar por más de dos horas un argumento cuya resolución se deduce en tres minutos. A esta premisa no escapa TRANSFORMERS 3: EL LADO OSCURO DE LA LUNA, filme que continúa la eterna lucha entre los Autobots y los Decepticons para salvar o destruir el mundo, respectivamente. Adicional a este hecho que todos conocen, asoma un personaje de importancia vital para héroes y villanos: Sentinel Prime, el mentor del Gandhi metálico Optimus Prime, el cual posee la clave para poner fin a la guerra de los robots extraterrestres y devolver el esplendor que el planeta Cybertron tuvo milenos atrás.

Como es de suponerse, este tercer episodio no ofrece cambios sustanciales respecto a su argumento que, al igual que en sus dos antecesoras, permanece ahogado en la orgía de efectos visuales y en los dilemas inverosímiles de personajes a quienes, paradójicamente, les falta personalidad y espíritu.

Sin embargo, Michael Bay intenta llenar esos huecos ubicando a los orígenes de su relato en dos hechos históricos: la llegada del hombre a la luna (y el ficticio descubrimiento de los robots extraterrestres en su superficie) a finales de los años sesenta y, posteriormente, el desastre nuclear en Chernóbil (perpetrado supuestamente por los Decepticons) a mediados de los ochenta.

Obviamente, ninguna de estas forzadas inclusiones logran darle complejidad a la volátil trama y el elemento sexy, personificado por la angelical Rosie Huntington-Whiteley, tampoco logra colmar las expectativas, al punto de que se extraña la presencia de la escultural Megan Fox como la acompañante del tambaleante e inmaduro personaje de Shia LaBeouf.

Lo peor es que Optimus Prime ni siquiera tiene un enfrentamiento memorable en este episodio, a pesar de que hay villanos lo suficientemente poderosos para darle la batalla. Es increíble que el perturbador Driller o el archimalvado Megatrón perezcan de un solo golpe propinado por el líder de los Autobots, una acción que no necesitaba ejecutarse casi al final de la película. Si eras seguidor(a) de la serie ochentera, TRANSFORMERS 3: EL LADO OSCURO DE LA LUNA será una caricatura decepcionante que, seguramente, en menos de dos años tendrá su continuación. Claro, siempre y cuando el proceso de oxidación de la franquicia no haya llegado a su fin.

Mi calificación: 2.7 de 10

"El Cisne Negro": Maldita (im)perfección

Cuando Darren Aronofsky saltó a las ligas mayores con el inolvidable y retorcido acertijo titulado PI (1998), muchos afirmaban que se encontraban ante uno de los directores que, de una u otra manera, iba a darle un nuevo respiro a la decandente industria de Hollywood. No se equivocaron. Con el pasar del tiempo, el talento del neoyorkino y su gusto por presentar propuestas riesgosas se ratificaron con los estrenos de RÉQUIEM POR UN SUEÑO, LA FUENTE DE LA VIDA y EL LUCHADOR, aplaudidas en su momento por críticos y cinéfilos.

Sin embargo, es EL CISNE NEGRO la película que marca un antes y un después en la carrera de este prolífico cineasta. Y no me limito a la cantidad de premios que está cosechando -los cuales se los merece, dicho sea de paso-, sino a la capacidad de sintetizar en una sola obra los elementos conocidos de su cinematografía como sus personajes perturbados y las situaciones límite que atraviesan para llegar a la redención o terminar de hundirse.

En este sentido, Aronofsky no pudo elegir un mejor escenario para infundir el miedo que una compañía de ballet que prepara una adaptación del clásico "El Lago de los Cisnes" para salvarse del cierre definitivo y, de esta manera, nos introduce al mundo interior de Nina Sayers, una destacada bailarina que tendrá el reto de interpretar al angelical Cisne Blanco como a su malévola contraparte, el Cisne Negro que da título a la película.

Si bien el perfil preliminar -es decir, la fase inocente- del personaje principal le cae como anillo al dedo a Natalie Portman, el espectáculo de EL CISNE NEGRO se concentra en la transformación y en la paulatina destrucción que enfrenta la joven en su búsqueda por lograr no sólo reemplazar a una bailarina retirada (una breve pero brillante intervención de Winona Ryder), sino por descubrir un lado de su personalidad que no ha sido explotado.

Es en este punto donde los personajes de Lili (una bailarina liberal) y Erica (la represiva madre) cumplen con complementar y reflejar, cada una a su manera, la dualidad psicológica que irá exhibiendo la protagonista conforme avanza el metraje, y que se simboliza mediante una fotografía que juega con los tonos blancos y negros para acentuar la elegancia de una clásica puesta en escena y la perturbadora transformación de lo dulce a lo lascivo, que se juntan en el rojo de una noche de discoteca.

Si hay un gran logro a destacar aparte de la formidable interpretación de Natalie Portman y los acompañamientos de Mila Kunis y Barbara Hershey -que recuerdan la tortuosa relación de madre e hija en CARRIE, de Brian de Palma-, ese es el tratamiento austero y exacto para cada una de las escenas, sobre todo en un guion meticuloso que, al estilo de RÉQUIEM POR UN SUEÑO y EL LUCHADOR, destaca la ascendiente locura de Nina que la llevará a una metamorfosis que terminará por consumirla.

Con EL CISNE NEGRO, también queda confirmada la versatilidad de Natalie Portman, quien ofrece un espectáculo completamente perturbardor en el que, a mi parecer, es el papel de su carrera. Se dice que cualquier bailarina haría lo que sea por tener el rol protagónico en "El Lago de los Cisnes". Pero cualquier actriz también haría lo mismo para lograr la excelencia de Natalie. Aplausos y abajo el telón.

Mi calificación: 9.6 de 10

"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (1)": El orden de la anarquía

Durante casi una década, hemos visto crecer al aprendiz de mago Harry Potter y a sus inseparables amigos Ron y Hermione. Mejor dicho, hemos asistido a la evolución de toda la muchachada -buena gente y antipática- de Hogwarts, pero sobre todo a la paulatina invasión del Mal y la pérdida de la inocencia en un mundo que, para el protagonista, parecía ser el escape de su realidad como humano en el mundo convencional.

La oscuridad, que fue en línea ascendente a partir del segundo episodio, llega a su nivel máximo en HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (PARTE 1), primer volumen cinematográfico del capítulo final de la saga, que sirve como el preámbulo de la batalla por recuperar el mundo mágico y el mundo "muggle" de las garras de Lord Voldemort y sus fieles mortífagos.

El sentimiento de derrota y la desorientación por parte de los héroes son los ingredientes principales de esta película, que conviertne en un gran acierto su cargado pesimismo para adentrarnos en el corazón de sus personajes y hacerlos tan humanos, al punto de que no interesan los encantamientos para repeler villanos o destruir maléficos objetos.

De esta manera, el trío protagonista -Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint- logra llevar sobre los hombros el peso de todo el filme, sin ser opacado por los actores de gran trayectoria como en los anteriores episodios. Sin embargo, cabe resaltar que los roles villanos por fin adquieren la dimensión tenebrosa que no habían demostrado hasta HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE. En este sentido, un irreconocible Ralph Fiennes da vida al maléfico Lord Voldemort que parece triunfar en sus proyectos de conquista; mientras que Helena Bonham Carter se luce como la sádica y desquiciada Bellatrix Lestrange, un personaje que no se vería tan perfecto en la piel de otra actriz.

Pese a que en conjunto HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (PARTE 1) es un filme sólido, no se puede dejar de mencionar su gran acierto que deriva, a la vez, en la propuesta más riesgosa de toda la saga. Me refiero a la secuencia animada en la que Hermione narra el cuento de las susodichas reliquias, y en la que no sólo se exhibe la maestría en técnica, sino una elegancia prosaica y visual poco conocida en los trabajos previos de David Yates.

Muchos quizás podrán criticar la excesiva duración o la flojera que el guión exhibe en algunas ocasiones, pero es innegable que junto al tercer y sexto episodio, HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (PARTE 1) posee las escenas más memorables de la franquicia (algunas demasiado fuertes para menores de edad) y un desarrollo dramático acorde al crecimiento y las matices de sus personajes. Estos se muestran más humanos que nunca, y dejan por sentado de que la magia ya no es un juego de niños.

Mi calificación: 7.3 de 10

"Contracorriente": Secreto en la caleta

Conquistar al público es algo de lo que muy pocas películas y directores debutantes pueden ufanarse, sobre todo si repiten la victoria sucesivamente en festivales de cine con temática variada. En este sentido, se puede decir que CONTRACORRIENTE, la ópera prima de Javier Fuentes-León ha cargado con los honores de la audiencia en premiaciones tan disímiles como Sundance (independiente y experimental), Lima (mezquinamente correcta) y el Outfest de Los Ángeles (abiertamente gay), sólo por citar algunas.

¿La razón detrás de este impacto? Una historia simple que no tiene pierde al insertar un tema polémico y muy en boga por estos meses: la relación amorosa entre dos hombres. El argumento ideado por Javier Fuentes-León parte de esta premisa para trasladarnos a una caleta del norte peruano, donde todo el mundo se conoce y en donde el pintor Santiago (Manolo Cardona) y el pescador Miguel (Cristian Mercado) mantienen un romance del que nadie sospecha, porque este último es prácticamente un líder de la comunidad y, además, tiene una esposa (Tatiana Astengo) que está esperando a su primer hijo. Cuando Santiago muere de manera repentina, la situación empezará a complicarse para el pescador por las constantes apariciones del fantasma y por los chismes que poco a poco irán surgiendo entre los habitantes.
Como primer punto a favor, Fuentes-León concibe su historia en tres niveles que se diferencian claramente: personal, comunitario y universal, los cuales -conforme avanza la película- se irán fusionando para convertir el amor prohibido en una acción de aceptación y redención, enmarcado por los rituales domingueros y mortuorios arraigados en el anónimo pueblo costero.
En el plano romántico, CONTRACORRIENTE demuestra sus deficiencias que se deben -en su mayoría- al desempeño de Manolo Cardona y Cristian Mercado. Este último, que lleva a cuestas el peso de toda la película, nunca convence como pescador más allá de su apariencia física y un acento que se torna demasiado impostado.
La parte más interesante de todo este conjunto cae en la concepción del mar, no sólo como el elemento sagrado que da la vida y permite el sustento de toda una comunidad, sino también como el ente que se lleva los pecados que la gente comete en tierra y la reconcilia consigo misma, para volver a iniciar un nuevo ciclo que -en el caso de Miguel- tiene un futuro completamente incierto.

De este modo, CONTRACORRIENTE es el primer paso de Javier Fuentes-León para convertirse, después de Claudia Llosa, en un referente de la nueva era del cine peruano y, viéndolo por este lado, su elección como representante peruana en la próxima edición del Óscar no es gratuita. Pero para la próxima, tendrá que superar el sabor de telenovela resumida en poco más de dos horas.

Mi calificación: 7.1 de 10

"El Origen": Una idea arriesgada

(Pido disculpas a todos los seguidores del blog por las vacaciones. Ya volví recargado y listo para la acción. - La Rata Cinéfila)

Una buena idea es la base de proyectos que valen la pena. El Origen, la nueva película de Christopher Nolan, obedece completamente a esta premisa, que la hace uno de los estrenos de obligada visión de este año y una de las producciones que ha demandado mayor creatividad en su campaña.Difícil resumir el argumento de esta cinta sin caer en adelantos, pero aquí va. Cobb (Leonardo DiCaprio) es un tipo especializado en lo que se podría llamar "robo de ideas", acción que consiste en ingresar a la mente de una persona durante el sueño para obtener información que, conscientemente, esta no sería capaz de divulgar. Sin embargo, Cobb y su compañero Arthur (Joseph Gordon-Levitt) recibirán un encargo que pondrá a prueba sus capacidades: ingresar a la mente de Robert Fischer (Cillian Murphy), el hijo de un poderoso empresario, para implantar una idea que acabe con el imperio que construyó su padre. Y a esta misión se unirán Ariadne (Ellen Page), una estudiante de arquitectura, y más personas que buscarán una jugosa recompensa a pesar del riesgo.

La historia, cuyo guión Christopher Nolan no comparte o adapta como en ocasiones anteriores, se adentra nuevamente en el terreno que el director ya ha visitado en películas como las imperdibles Amnesia e Imsomnia: la resolución de un crimen -o su consumación- en un viaje a la mente de sus protagonistas.

En este sentido, Nolan no pudo haber articulado su historia de mejor manera ni elegir mejores actores para integrar el elenco de este viaje engañoso, vibrante y perturbador hacia los sueños que se suceden en El Origen. Los giros inesperados y las trampas bien concebidas obligan al espectador a no perderse ninguno de los detalles, escondidos en los diálogos, en los caprichosos escenarios y en los gestos que acompañan a cada uno de los personajes.

Interpretaciones sobrias las hay, pero quien sobresale esta vez es Marion Cotillard, actriz a la que se le encarga a Mal, quizás el rol más difícil: ser un recuerdo perturbador en la vida de Cobb, el protagonista, y a la vez su motivo de culpas y búsqueda de redención. Pero no sólo es eso, sino también el enlace sentimental que une al ladrón y a la arquitecta para conseguir entender el uno al otro; y el punto de quiebre que afecta tanto a los demás involucrados como al éxito de la misión y a los sueños que -en mayor o menor medida- pueden modificar.

Los miembros de la Academia no tendrán excusas para no reconocer las habilidades de Nolan como narrador y constructor de poderosas imágenes, aunque El Origen no tenga el brillo y la contundencia de El Caballero de la Noche para convertirse en un clásico moderno. Pero este filme sigue siendo un sueño o, más bien, una pesadilla meticulosamente orquestada de la que uno no quiere despertar a pesar de su larga duración.

Mi calificación: 8.3 de 10

"La Saga Crepúsculo: Eclipse": El trance de los indecisos

Aparte de los fans compulsivos de La Saga Crepúsculo y los románticos(as) empedernidos(as), ¿a alguien más le gustó Crepúsculo y Luna Nueva? Sí, a muy pocos. Y en este grupo no se encuentra quien escribe. Sin embargo, he de reconocer algo: Eclipse, el tercer episodio de la multimillonaria saga, es -con todas sus carencias- el mejor que se ha rodado, aunque esto no necesariamente significa que valga la pena. El mago detrás de este milagro es David Slade, director que hace cinco años se encargó de ponernos los pelos de punta con Niña mala y que decepcionó en 2008 con 30 días de noche. Esta vez se le recibe el encargo de llevar a la pantalla grande Eclipse, episodio en el que sigue la sucesión de miradas, mimos y dudas entre el triángulo amoroso conformado por Bella, el vampiro Edward y el licántropo Jacob, esta vez sazonado por unos misteriosos asesinatos que pondrían en peligro la vida de la doncella y el forzado pacto entre las dos criaturas enemigas en pos de protegerla.

¿Cuál es el gran mérito de Slade? Apostar por dos elementos que tanto Catherine Hardwicke y Chris Weitz olvidaron: la primacía de la acción sobre los dudas sentimentales y el mayor protagonismo de los personajes secundarios.

Tales virtudes, lamentablemente, no nos va a librar de ver a Kristen Stewart mirando al suelo un millón de veces y debatiéndose entre quedarse con el pálido vampiro o con el -literalmente- fogoso lobo; a Taylor Lautner mostrando bíceps, pectorales y abdominales en cada aparición o a Robert Pattinson repitiendo los mismos diálogos que en Crepúsculo y Luna Nueva; pero el ritmo trepidante de esta entrega contribuye a hacer más llevaderos los predecibles giros y debates sentimentales concebidos por Stephenie Meyer y la guionista Melissa Rosenberg.

Hay que reconocer, sin embargo, que existen escenas muy bien logradas que no tienen nada que ver con los protagonistas sino con los secundarios, entre los que se encuentran los flashbacks de Rosalie y Jasper así como la ceremonia de graduación y los orígenes de la enemistad entre licántropos y vampiros. En otro aspectos no encontramos gran cosa: la música es completamente inapropiada en algunas secuencias, los efectos siguen siendo primariosos para tratarse de una millonaria producción y las actuaciones del trío estelar siguen el esquema de telenovela mexicana con su dosis de intriga, coqueteo, chica indecisa, pelea de pretendientes y la risible analogía entre la inmortalidad y la pérdida de la virginidad antes del matrimonio.

En términos cinematográficos, se puede decir que Eclipse es un gran adelanto dentro de la saga, aunque se mantiene en el nivel mediocre de sus dos predecesoras. En pocas palabras, es un reflejo de la patética y desaliñada Bella: indecisa entre quedarse atrapada en un clima de frío espectral o entregarse al calor propiamente humano.

Mi calificación: 3.6 de 10

"La caleta": Horror submarino

El usuario rkaufmann pasará a la historia por lograr algo que parecía imposible: colgar un video de hora y media en Youtube. ¿Y de qué video se trata? Pues nada más y nada menos que de La caleta (The cove en inglés), el documental ganador en la última edición de los premios Óscar y que quizás llegue a algún cine hispanoparlante en la otra vida.Dejando de lado la hazaña, que nos permite ver la película en toda su extensión y con subtítulos en inglés, toca revisar sus méritos. Y vaya que no son pocas las sorpresas que esconde La caleta para ser considerado uno de los mejores y más arriesgados documentales que se hayan rodado en los últimos diez años.

Louie Psihoyos, experimentado fotógrafo de la National Geographic, entra con el pie derecho al mundo cinematográfico en un terreno ya conocido pero al que dota de una nueva perspectiva, tomando como punto de partida un tema polémico: la caza ilegal de delfines en el sur de Japón y la posterior venta de su carne -no apta para el consumo humano- en supermercados.

El gran mérito de La caleta es abordar la problemática de una manera que el espectador puede apropiarse y sentir como propia la turbulencia que poco a poco se va revelando de una manera angustiosa y asfixiante. Para ello, Psihoyos no sólo se vale del testimonio de activistas o encuestas a gente común, sino de un trabajo milimétrico comparable con misiones de inteligencia militar para ofrecer una realidad chocante cuyos involucrados se esfuerzan en ocultar.

En esta parte quizás muchos calificarán a este filme de sensacionalista, pero justo aquí es donde el director luce su pericia como fotógrafo, con imágenes cargadas de un dramatismo que no sólo se limita a paisajes desolados, activistas maltratados, cazadores energúmenos o ciudadanos engañados, sino la bárbara matanza de la que son objeto los delfines en lo que se supone es una reserva natural.

De esta manera, La caleta es un triunfo no sólo por el debate que ha generado en Japón, sino por el riesgo de insertar con éxito elementos propios del cine de suspenso y horror para dejar abierta una gama infinita de posibilidades estéticas y narrativas que se pueden aplicar al género. Un documental altamente recomendado.

Mi calificación: 8.2 de 10

"Toy Story 3": La emotiva despedida de los juguetes

La saga de Toy Story tiene un lugar especial en el cine de los últimos veinte años. No sólo porque fue la que dio inicio al boom de la animación por computadora, sino porque logró hacer de Pixar un referente obligado del buen cine animado.

De la mano de Lee Unkrich, quien por primera vez asume la dirección de una película de Pixar, nos llega Toy Story 3, relato que a pesar de mantener a la mayor parte de sus personajes no muestra señales de desgaste ni agotamiento. Al contrario, el paso del tiempo -once años para ser específicos- ha jugado a favor de esta película.

La historia nos trae una vez más a Woody, Buzz y compañía para enfrentar un hecho que escapa de sus manos: el pequeño Andy es ahora un adulto y debe ir a la universidad... sin juguetes. En plena mudanza, los destinos de los compañeros de infancia del muchacho empiezan a tomar rumbos distintos cuando éste elige llevarse a Woody a la universidad y dejar a los demás en el ático. Sin embargo, algunas confusiones harán que todos terminen en Sunnyside, una guardería en la que son recibidos por otros juguetes comandados por Lotso, un oso cariñoso que no está dispuesto a compartir con los nuevos el amor de sus dueños temporales.

Lo que más resalta en Toy Story 3 es el tratamiento que se ha dado al argumento que es tan entretenido y colorido como nostálgico y sombrío. A diferencia de las dos películas anteriores en las que prevalecían la comedia pura y el tono infantil, en esta tercera entrega encontraremos madurez y una mezcla de géneros cinematográficos que van desde el drama hasta el horror.

El gran mérito se encuentra en un guión bien planificado y en los personajes que están bien trabajados en su aspecto físico, sus gestos y su personalidad. Así encontraremos que el mal lo encarnan los juguetes que se supone derrochan ternura: un oso fucsia que esconde sus oscuras intenciones adoptando el rol de un patriarca y un bebé que, por momentos, se vuelve más aterrador que Frankenstein.

Otro de los aspectos que llaman la atención es el doble sentido respecto a la sexualidad de Ken quien, junto a Barbie, protagoniza las partes más hilarantes de este entrañable episodio. Y a ellos agregamos otros personajes que, a pesar de no tener mucho tiempo en la pantalla, logran dar en el blanco y contribuyen al desarrollo del relato.

Con los actos heroicos del Señor Cara de Papa, el cambio de personalidad de Buzz, los maquiavélicos planes de Lotso, la terquedad de Woody y un mudo homenaje a Hayao Miyazaki con la presencia de Totoro, Pixar termina con maestría la saga que la hizo conocida. Pero no lo hace de cualquier manera, sino regalándonos un hermoso y conmovedor cuento sobre la evolución de la amistad y el poder que tiene ésta para sobrevivir al tiempo y al espacio. Inolvidable.

Mi calificación: 9.6 de 10

"Sexo en la Ciudad 2": La tortura del taco aguja

Sexo en la ciudad fue un verdadero boom televisivo que mezclaba con muy buen gusto las situaciones dramáticas de cuatro mujeres en la cosmopolita Nueva York. Reflexiva, cómica, sarcástica, cínica y polémica. Esos calificativos mantuvo la serie a lo largo de seis años y se convirtió en un referente cultural de la década pasada.

Sin embargo, la primera película de Sexo en la ciudad no fue lo mismo a pesar de que el director Michael Patrick King -quien había llevado la batuta en diez capítulos de la serie-conservó al elenco protagonista. No parecía un episodio más, sino uno mal hecho.

Sexo en la Ciudad 2 es el tiro de gracia que se necesitaba para aniquilar de una vez por todas el buen recuerdo que Carrie, Samantha, Charlotte y Miranda nos dejaron en la televisión. ¿La excusa de esta nueva reunión? El matrimonio de dos amigos gays y una escapada del cuarteto al exótico Oriente Medio, en donde las relaciones aparentemente estables se pondrán en peligro frente a las sorpresas que les depara el territorio desconocido.

¿Qué podemos rescatar de esta atarantada secuela? ¿El guión? No, pues se nota a leguas que lo escribieron a la volada. ¿Las escenas cómicas? Sinceramente, no hay nada que no hayamos visto o en la serie o en la fallida primera película. ¿Actuaciones? Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon podrán conocer muy bien a sus personajes, pero ya se les nota cansadas y demasiado caricaturescas. ¿La provocación? Tampoco, este elemento que era la esencia del show televisivo se asoma tímidamente en la escena en que Carrie y Mr. Big ven Sucedió una noche en la TV, y obviamente no es mérito de la película.
Sexo en la Ciudad 2 funciona únicamente como una pasarela para exhibir los variados diseños de Patricia Field, la encargada del vestuario. En pocas palabras, es una buena opción para que las chicas se inspiren minutos antes de hacer shopping. Por lo demás, es totalmente prescindible.

Mi calificación: 1.4 de 10

"El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo": Al borde del game over

Los creadores de los videojuegos deben tener algún pacto con el diablo. Otra razón lógica no puede existir para que la mayoría de las adaptaciones cinematográficas de esos juegos a los que a veces dedicamos larguísimas horas, sean objeto de decepción cuando llegan a la cartelera.

En este sentido, el promocionadísimo salto a la pantalla de El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo se salva de pertenecer a esa mayoría de videojuegos mal adaptados: si bien no es un esperpento tan odioso y de ingrata recordación como Street Fighter, no logra salir de la mediocridad en la que se ahoga, por ejemplo, la saga de Resident Evil.

La historia que nos trae Mike Newell se puede resumir de la siguiente manera. Dastan es un huérfano que el rey de Persia adopta cuando es testigo de un acto noble y valiente. De esa manera, el simple muchacho de las calles adquiere el título de "príncipe", aunque no tendrá las posibilidades de heredar el trono puesto que el rey tiene dos hijos de su propia sangre y un hermano manipulador. Años después, el ejército persa invadirá la ciudad sagrada de Alamut y tomará como prisionera a la princesa Tamina, quien aceptará casarse con el heredero del trono para rescatar una daga mística. Sin embargo, cuando el rey muere en un extraño incidente, Dastan será señalado como el culpable y, junto con Tamina, huirá del reino persa para comprobar su inocencia y devolver la daga a su lugar de origen antes de que caiga en manos equivocadas y desate una catástrofe.

Newell ha vuelto a explotar la fórmula de Harry Potter y la Orden del Fénix y El amor en los tiempos del cólera, sus dos últimas películas: una superproducción cuya fuente original tiene millones de adeptos y que guarda una historia de amor entre sus páginas. La gran diferencia es que no se está adaptando una novela, sino un videojuego de cuyo argumento sólo se conserva el título y la relación entre Dastan y la princesa.

Aparte de la dirección artística, el diseño del vestuario y la composición de una memorable banda sonora, los méritos de El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo se reducen a su promisorio arranque y al hecho de mostrar toda la sensualidad de Jake Gyllenhaal y Gemma Arterton para complacencia del público femenino y masculino, respectivamente. Y por eso, se desperdicia demasiado metraje en tomas de los cuerpos del dúo protagónico y en el sinfín de acrobacias en el aire, correrías por los techos y balanceos en cuanto palo se halle clavado en los muros, dando la sensación de no estar viendo una película sino ver jugar a un principiante que por momentos no sabe qué dirección tomar.

No hay actuaciones contundentes, aunque un irreconocible Alfred Molina pone su cuota de humor como un astuto evasor de impuestos. Los demás no sobresalen, ni siquiera Ben Kingsley, quien en su papel de villano luce desganado y aburrido. Los demás son personajes que parecen calcados de La Momia y su insoportable spin-off El Rey Escorpión, y por lo tanto ofrecen una aventura entretenida pero con resultados bastante predecibles.

Pese a sus falencias y lugares comunes, El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo se deja ver con una sonrisa que denota más simpatía que complacencia. Esta aventura, por lo pronto, tiene ya un destino: sobrevivir en la memoria el tiempo que dura una huella sobre la arena.


Mi calificación: 5.7 de 10

"Robin Hood": El gladiador no se adapta al Medioevo

(Conversación vía Messenger de actor y director antes del rodaje de Robin Hood)

RUSSELL CROWE dice: Dime, Ridley.

RIDLEY SCOTT dice: Me he dado cuenta de que no he ganado ningún Óscar y que tú ya tienes uno, Russell. ¿Te gustaría volver a protagonizar otra peli mía? Esta no va a ser como Red de mentiras ni como Un buen año, sino más ambiciosa. ¿Te apuntas?
RUSSELL CROWE dice: Chévere. Primer Óscar para ti y segundo para mí, ¿cierto?

RIDLEY SCOTT dice: Así es. Y será una película épica con reparto de primera.

Meses después empezaron a publicarse los adelantos del filme y muchos pensaron que se trataba de una segunda parte de Gladiador. Al ver la película que analizaré hoy, esa impresión se confirma: Robin Hood es una especie de secuela de Gladiador, aunque su impacto es mucho menor.

El reinado de Juan I a inicios del siglo XIII sirve como contexto para presentarnos a Robin Longstride, un ficticio arquero que formó parte de las tropas que acompañaron a Ricardo Corazón de León -el antecesor de Juan- en sus expediciones para recuperar Tierra Santa del poder de los musulmanes. La muerte de Ricardo en la guerra hará que Robin decida tomar prestada la identidad de un miembro de la nobleza, lo cual lo convertirá en el blanco de un ambicioso amigo del rey y también lo acercará a Marion Loxley, la viuda del hombre al que ha reemplazado. De esta manera, Robin se irá convirtiendo poco a poco en una amenaza para la corona y en Robin Hood, el legendario bandido que lucharía contra la opresión.

Hay que reconocer la maestría de Ridley Scott para entregarnos una puesta en escena impecable y riesgosa para recrear este nuevo Robin Hood. Sin embargo, eso no libra a esta versión de parecerse -ojo, sólo parecerse- a la multipremiada Gladiador.

Las semejanzas parten desde la base sobre la que se construye el personaje: tanto Robin como Maximus tienen una cuota de liderazgo dentro de un grupo militar, ambos se relacionan con alguien de cierta importancia política, ambos son héroes y ambos despiertan la envidia de aquel que ostenta el cargo más importante, y ambos pasan a condición de fugitivo sin que exista una justificación contundente aparte de la tiranía de un rey/emperador sin experiencia ni carácter.

Por si eso fuera poco, el episodio histórico que sirve de marco a Robin Hood ha sido también manipulado no sólo para forzar la introducción del personaje y resaltar su labor de héroe, sino para introducir a Godfrey, un villano que maneja a su antojo al rey y que además está a punto de iniciar una guerra civil para hacer de Inglaterra un pueblo fácil de ser conquistado por las tropas francesas. Este hecho será fundamental para mantener el hilo de la narración, que si bien prescinde de la acción y apuesta por un arriesgado y agradable tono musical, se pierde en la superficialidad cuando intenta abarcar los conflictos de personajes menores.

Contrario a lo que se espera, Russell Crowe no es el dueño del show: su Robin Hood es un Gladiador histriónicamente reciclado y con vestuario renovado. Cate Blanchett es, de lejos, la que se lleva todas las palmas al interpretar a una Marion que sabe modular la intensidad de sus emociones ante cada una de las situaciones que enfrenta. Mark Strong confirma que nació para ser el malo de las películas, mientras que los veteranos Max Von Sydow y Eileen Atkins, quienes en sus limitados papeles de Sir Walter Loxley y Leonor de Aquitania, dan una valiosa lección de actuación al resto del elenco.

Ridley Scott sacrifica demasiado en su intento de hacer de Robin Hood una película seria y realista, porque al final no consigue la verosimilitud que busca y, lo que es peor, muchas veces opaca a su protagonista a tal punto que se tiene la sensación de que es un personaje secundario. La gran diferencia de esta película con la sobrevalorada Gladiador, es que aquí sí hay un final abierto -con posibilidad de secuela- y sobre todo feliz... aunque parezca que el director jugó tiro al blanco con Robin.

Mi calificación: 5.5 de 10

"Pesadilla en la calle Elm: El Origen" o la peor forma de mandar al infierno a Freddy

Wes Craven, Robert Englund y Heather Langenkamp deben estar bailando en trencito y brindando con buen whisky porque ya saben que son irreemplazables y que la saga de Pesadilla en Elm Street nació y murió con ellos.

¿Por qué digo esto? Porque Samuel Bayer (el nuevo director), Jackie Earle Haley (el nuevo Freddy) y Rooney Mara (la nueva heroina) no logran que el esperadísimo y ultrapromocionado remake del primer episodio de la saga ochentera -convenientemente rebautizado como Pesadilla en la calle Elm: El Origen- tenga la contundencia de la obra original.

Muchas cosas han cambiado en 26 años y, salvo contadas excepciones, las películas de terror han bajado de nivel. Y para el mal de los fanáticos de Freddy Krueger, esta nueva pesadilla no está en el saco de las excepciones.

Pesadilla en la calle Elm: El Origen se aleja de la creación de Wes Craven, a pesar de que en la sinopsis tenga mucha similitud: un misterioso hombre quemado y con un guante que termina en cuchillos aterroriza en pesadillas a los adolescentes de la calle Elm, quienes pronto se darán cuenta que pueden morir en la realidad si mueren mientras duermen.

La premisa que Craven llevó con maestría a la pantalla grande, Samuel Bayer la recicla para brindar una película a la que ni siquiera sus cambios argumentales, personajes nuevos y efectos digitales le dan vida.

Tanto la estructura narrativa como los personajes se han adaptado de manera muy ligera para estos tiempos, y en esta adaptación se ha perdido la esencia del filme ochentero, que tuvo mucho de terror, un interesante guiño al género policial y una angustiante carga de thriller sobrenatural.

Rooney Mara es la nueva Nancy, pero en ningún momento se parece a la Nancy rebelde y problemática que interpretó Heather Langenkamp. Es, más bien, una especie de emo con actitudes similares al obsesivo niño de El Aro. Lo peor de todo para Mara es que sus compañeros de reparto con los que más interactúa no la ayudan. Si a esto se le suma la ausencia del padre policía -personaje de gran importancia en el filme ochentero- y los cambios en la historia de cada personaje, la heroina pierde toda su razón de ser.

Lo contrario pasa con Jackie Earle Haley, quien con el papel del maléfico Freddy se convierte en lo más rescatable de la película. Sin embargo, su actuación no logra sacar a flote esta pesadilla ni dejar en el recuerdo a Robert Englund, actor que hizo de Freddy un ícono del cine de terror.

Si buscas suspenso y sarcasmo en este remake, no los encontrarás. Si buscas ver la "actualización" de situaciones clásicas como el teléfono con lengua, el géiser de sangre, el ahorcamiento con la sábana o la extraña desaparición de la madre de Nancy, mejor quédate en casa. Pesadilla en la calle Elm: El Origen sólo sirve para demostrar que los ejecutivos de Hollywood no pueden dormir por tratar de hacer dinero a costa de franquicias exitosas que no necesitan versiones nuevas para conservar su popularidad. Quizás sea tiempo de que se duerman y Freddy los visite. Cantemos en coro. Uno, dos, ...

Mi calificación: 2.1 de 10

"Iron Man 2": El hombre de hierro se empieza a oxidar

La primera adaptación cinematográfica de Iron Man fue una verdadera sorpresa. Le fue muy bien en la taquilla, los espectadores -muchos de los cuales conocían muy poco del personaje- salieron contentos y una muy considerable cantidad de críticos le dieron su visto bueno. Al ver que habían cabos sueltos, todo el mundo pidió continuación.

Y dos años después llega Iron Man 2, la esperada secuela en la que Jon Favreau narra las consecuencias de las acciones heroicas del multimillonario Tony Stark, sobre todo después de revelar la identidad de Iron Man. Paz mundial, portadas de revistas, entrevistas y apariciones son la cara buena de la moneda; pero por otro lado, Stark tendrá que enfrentar al gobierno que quiere apoderarse del traje, a su deplorable estado físico y a su excéntrica personalidad. Por si eso fuera poco, la aparición de un nuevo villano y el auspicio que éste tiene por parte de la competencia complicarán su situación y pondrán en duda su papel de héroe ante los ojos del público.

La fórmula que hizo inolvidable al primer Iron Man se vuelve a aplicar en esta película: se conserva el reparto original (salvo un cambio no conveniente), se incluyen efectos visuales sorprendentes y además se mantiene la socarronería de su protagonista. Pero no todo funciona a la perfección, y el último punto es un arma de doble filo: sin bien Robert Downey Jr. es un actor con gran carisma y presencia, su personaje parece no evolucionar ni siquiera en los momentos dramáticos que enfrenta y, lo que es peor, a veces se tiene la sensación de no ver a Robert interpretando a Tony, sino a Robert jugando a ser él mismo.

La inclusión de Mickey Rourke, Sam Rockwell y Scarlett Johansson en los roles de Ivan "Whiplash" Vanko, Justin Hammer y Natasha "Viuda Negra" Romanoff, respectivamente, son atractivos para la audiencia. Sin embargo, Rourke no colma las expectativas como el villano de turno, limitado en sus apariciones y no siempre para poner en aprietos al héroe, salvo en sus dos enfrentamientos. Lo contrario pasa con Rockwell, a quien se le debe muchas de las escenas cómicas, y Johansson, quien se roba el show y opaca a todos los personajes que osan aparecer en sus escenas, incluido el mismísimo Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow, el otro personaje femenino importante en la película.

Pese a las deficiencias mencionadas y a una estructura narrativa que cae en lo redundante, Iron Man 2 le da a Jon Favreau -en su condición de director- una nota aprobatoria en su intento de iniciar una nueva saga cinematográfica. Aunque claro, muchos esperábamos más de esta secuela. Ojalá el superhéroe regrese en un tercer episodio para poner las cosas en orden y con el celebérrimo traje en mejor estado.

Mi calificación: 6.2 de 10

La fantasía recargada de "El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus"

Terry Gilliam ha hecho del exceso su marca de estilo. Desde su lejano y auspicioso debut en Monthy Python y el Santo Grial hasta el filme que hoy comentaré, el exceso ha estado presente como el elemento capaz de poner a algunas de sus obras en el sitial de películas de culto, o como el factor determinante para ubicar a otras en el bote de desperdicios cinematográficos.

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus es un caso especial, no porque la película esté dedicada a la memoria del fallecido Heath Ledger (ver una vez más al actor hace dudar de su muerte), sino porque se encuentra en la delgada línea que separa al genial Terry Gilliam del mediocre Terry Gilliam.

La historia transcurre en la Inglaterra contemporánea donde un grupo de actores ambulantes trata de sobrevivir llevando consigo una fuerte carga: un misterioso espejo capaz de mostrar la imaginación del que lo atraviesa. El jefe de ese destartalado teatro callejero es el Doctor Parnassus, un ex monje que obtuvo la inmortalidad gracias al diablo, quien regresa a cobrar el precio del favor: Valentina, la hija de Parnassus. Ante la inminente pérdida y la aparición del misterioso Tony, el diablo decidirá hacer una apuesta con el "Doctor": si éste gana cinco almas, su hija no será llevada al infierno.

Si bien el argumento es llamativo, su desarrollo se entorpece por las idas y venidas de un guión que brinda más detalles a la infinidad de elementos fantásticos que a sus personajes. Así veremos que la historia de Parnassus y su lucha por no perder a su hija se ven opacadas por el misterio de Tony, el personaje interpretado por cuatro actores, y que a su vez sucumbe ante los escenarios surrealistas que nacen detrás del espejo.

El filme en sí es una sucesión de imágenes que plasman la locura e inacabable creatividad de Gilliam y que, si hacemos una retrospectiva de la obra del realizador, encontraremos que El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus podría ser la secuela de la delirante Las Aventuras del Barón Munchausen, película que en términos estéticos es su hermana.

Lo mejor de esta nueva aventura es la presencia de Heath Ledger, actor que seguramente nos estaría regalando buenas interpretaciones si siguiera vivo y que en el metraje es "homenajeado" por Johnny Depp y Colin Farrell (no menciono a Jude Law porque simplemente estaba sobrando). Christopher Plummer en el papel del Doctor Parnassus ofrece una actuación correcta, pero no lo suficientemente fuerte para sobresalir junto al resto del reparto.

De esta manera, El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus se erige como un lienzo en el que se pinta un laberinto visualmente exquisito con un recorrido absurdo y caleidoscópico, pero que no tiene armonía con su final demasiado "lógico" y a la vez complaciente. ¿En qué rincón del espejo mágico se perdió el Terry Gilliam de Monthy Python, Brazil y 12 monos?

Mi calificación: 6.1 de 10